Sarah Vaughan / "Shadow of Your Smile"

Conocida como Sarah Vaughan y apodada Sassy y La Divina nace en Newark el 27 de marzo de 1924.

En 1943 su vida tomó contacto con el jazz cuando ganó el concurso anual del Apollo Teathre de Harlem para cantantes noveles. Ella Fitzgerald, que había ganado ese mismo concurso la década anterior, le animó y fue presentada al cantante Billy Eckstine, quién a su vez la recomendó a su jefe de orquesta, el pianista, Earl Hines. 

Contratada con apenas diecinueve años por Earl Hines como cantante y segunda pianista de la orquesta, tuvo la inmensa fortuna de que por aquella formación pasaran los jóvenes músicos de New York que estaban cambiando el jazz con el sonido nuevo conocido como bebop: Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Fueron sus grabaciones de entre 1946 y 1948 para Musicraft (que incluían temas como "If You Could See Me Now", "Tenderly" y "It's Magic") las que demostraron su maduración como cantante y su fraseo orientado al bop aplicado a las canciones populares. Firmó con Columbia y grabó para ella durante el periodo 1949-1953, consolidando su popularidad. Aunque algunas de estas grabaciones tienen un matiz típicamente comercial, sus ocho temas grabados con la banda de Jimmy Jones durante el 18 y 19 de mayo de 1950 se encuentran entre sus interpretaciones más memorables. 

Se prodigaron sus actuaciones en el Carnegie Hall, realizó su primera gira europea en 1951 con un éxito absoluto y todavía el éxito fue mayor en la posterior de 1954. Insatisfecha con su contrato en Columbia ya pesar de sus extraordinaria ganancias económicas, Sarah abandono en 1953, a la terminación del contrato, su relación con el poderoso sello y buscó una discográfica mas acorde con sus planteamientos musicales.

En 1954 fichó por el sello Mercury, donde estuvo hasta 1959, y posteriormente, en la ultima fase de su carrera, fue contratada desde 1963 hasta 1967 por el sello Roulette. En ambos, Sarah Vaughan dejó su mejor legado discográfico. Para la filial de Mercury, "Emarcy", Sarah Vaughan grabó entre 1954 y 1959, en directo o en estudio y con su fabuloso y regular trío: el pianista, Jimmy Jones, el contrabajista, Joe Benjamín y el baterista, Roy Haynes, una serie de discos extraordinarios y al menos una obra maestra absoluta con la colaboración del trompetista, Clifford Brown: El álbum titulado: "Sarah Vaughan". 

En 1971, firma por el sello Mainstream en el que estuvo hasta 1974, dejando en sus arcas un extraordinario concierto en Japón. En 1978, el productor Norman Granz la incorporó a su elenco de artistas y a su sello Pablo, donde permaneció hasta 1982 dejando tambien algunos discos extraordinarios como el dedicado a la música de Duke Ellington. 

En 1989, grababa un dueto con Ella Fitzgerald sobre "Birdland" bajo la dirección de Quincy Jones, pero el tabaco había empezado a quebrantar su salud y murió, victima de un cáncer de pulmón en abril del siguiente año.     

Michel Petrucciani / El pequeño Gigante

Michel Petrucciani nace en Orange, Francia, el 28 de diciembre de 1962. Proveniente de una familia de músicos de origen italo-francés, estudió piano clásico desde niño, y a los 12 años actúa por primera vez, acompañado por su padre Tony en la guitarra (quien era su profesor de piano) y su hermano Louis en el contrabajo. 

Vivió aquejado de una gravísima 
enfermedad ósea llamada osteogénesis imperfecta, mas conocida como "huesos de cristal", por lo que apenas llegaba al metro de altura. Sin embargo esto no fue obstáculo para que se dedicara desde la infancia de manera casi exclusiva al estudio del piano, lo que le permitió convertirse en uno de los pianitas de jazz de mayor renombre de todos los tiempos. Dotado de una extraordinaria técnica, su estilo fluctuaba entre una atmósfera intimista y romántica, propia de la escuela de Bill Evans del que era un ferviente admirador, y otra con un gran uso del ritmo que combinaba la sutileza del lirismo y la potencia de un ataque percusivo. 


Aunque estudió piano clásico, su gran ídolo musical fue siempre Duke Ellington, quien fue su inspiración para dedicarse finalmente al piano de jazz. De adulto, sus manos alcanzaron un tamaño promedio, sin embargo para alcanzar los pedales tenía que utilizar artefactos especiales hechos para él.

Su enorme talento le hace destacar desde muy joven y a los 17 años graba su primer disco. El año siguiente inicia con un trío de excepción con Jean-François Jenny-Clark y Aldo Romano, una serie de espléndidas grabaciones para el sello francés OWL. En 1982 se traslada a California y se convierte en el pianista del grupo del saxofonista Charles Lloyd, cuando éste regresa a la escena después de un prolongado retiro, gracias a la insistencia del mismo Petrucciani. Aunque sigue grabando en Francia, sus estancias en Nueva York propician sus primeros discos americanos, hasta que en 1985 inicia su período en el sello "Blue Note" con "Pianism", una grabación en trío con Palle Danielson y Elliot Zigmund. 

El 22 de febrero de 1985, Lloyd entró en el escenario en el Town Hall de Nueva York con Petrucciani en sus brazos, y lo sentó en el taburete del piano, para lo que sería una noche histórica en la historia del jazz: el rodaje de Una Noche con Blue Note. El director de la película, John Charles Jopson, recordaría más tarde en las notas de la reedición, que la escena lo conmovió hasta las lágrimas. 

El año siguiente actúa en Montreux en trío con Wayne Shorter y Jim Hall, encuentro que se publica bajo el título de "Power of Three", uno de sus grandes discos. También incursionó en trabajos como "Music", "Playground", los que lo acercaron a las fórmulas de la fusión eléctrica. Su último disco para Blue Note es un solo en homenaje a Duke Ellington, uno de sus compositores favoritos, y una clara influencia a lo largo de toda su carrera. En Estados Unidos también tocó con diversas figuras de la escena del jazz local, incluyendo al legendario Dizzy Gillespie y Lee Konitz.

En 1994 vuelve a grabar para una compañía francesa, Dreyfus, con "Marvellous", en trío con el soberbio apoyo de Dave Holland y Tony Williams y el sorprendente añadido de un cuarteto de cuerda. Su absorbente personalidad le hacía preferir las formaciones reducidas, y en sus últimos años una de las más fructíferas fue su insólito y excepcional encuentro a dúo con el organista Eddy Louiss, plasmado en los dos volúmenes de "Conference de Presse". El doble album recogido en sus actuaciones en París "Au Teathre Des Champs-Elysees" es probablemente la cima de su carrera discográfica. 

En 1997 da un nuevo giro formando un grupo más amplio, un sexteto en el que se integran dos jóvenes revelaciones italianas de la corriente neo-bop: Stefano Di Battista y Flavio Boltro, con el que graba "Both Worlds". 

Falleció el 5 de enero de 1999, a los 36 años, a causa de una afección pulmonar producto de su enfermedad ósea, dejando un vacío dificilísimo de cubrir en el jazz europeo, y en el francés en particular. Reposa en el cementerio del Père Lachaise (en París) junto a la tumba de Chopin. Desde julio del 2003, existe en París una plaza Michel Petrucciani.

Archie Shepp / "Fire Music"

Saxofonista, compositor, pianista, cantante, poeta políticamente comprometido, dramaturgo, Archie Shepp es una leyenda.
 Nació en 1937 en Fort Lauderdale, en Florida. Se crió en Filadelfia, estudió piano y el saxofón y asistió a la escuela secundaria en Germantown. Fue a la universidad, se involucró con el teatro, reuniéndose con escritores y poetas, entre ellos, Leroy Jones y escribió: «El Comunista», una obra alegórica sobre la situación de los estadounidenses negros. A finales de los años cincuenta, Archie Shepp  reunió también a los músicos más radicales de la época: Lee Morgan, Bobby Timmons, Garrisson Jimmy, Ted Curson, Beaver Harris ... su conciencia política encontró una expresión tocando y realizando producciones teatrales que apenas le permitieron ganarse la vida.

A principios de los sesenta se encontró con Cecil Taylor y realizó dos grabaciones que fueron determinantes. En 1962 firmó su primer disco con Bill Dixon como co-líder. Durante el año siguiente, creó el New York Contemporary Five con John Tchichai, hizo cuatro grabaciones para sellos como Fontana, Storyville y Saboya y viajó a Europa con esta formación. En 1964 fichó  por Impulse, sello con el que realizaría hasta 17 grabaciones, entre las cuales, destacarían Four For Trane, Fire Music y Mama Too Tight, consideradas verdaderas obras maestras del Freejazz. 



Su colaboración con John Coltrane materializada en el extraordinario album “Ascension", supuso un verdadero punto de inflexión en la música Avant-Garde.

En 1965 comienza a alejarse musicalmente de Coltrane, e inicia su período más reivindicativo social y políticamente. “Fire Music” está compuesto  tras el asesinato de Malcolm X, y dedicado por completo al mensaje del líder pan-africanista.

La importancia de su figura en la escena vanguardista fue evidenciada por su participación en la creación del Composers Guild con Paul y Carla Bley, Sun Ra, Roswell Rudd y Cecil Taylor, máximos exponentes de este movimiento. 

En 1969 comenzó a enseñar etnomusicología en la Universidad de Amherst, Massachusetts hasta 2002 año en que se jubiló.

El año 1972  es seguramente su gran año, será además su último con Impulse! Records, pero publicará los que seguramente sean sus discos más comprometidos. A comienzos de año el furioso “Attica Blues” y en septiembre el desgarrador “The Cry of my People”.




“Attica Blues” está inspirado en el motín de la prisión de Attica (NY) de finales de 1971, que se originó en la cárcel de San Quintín  (California) donde fue tiroteado el lider de los Black Panthers George Jackson, pero que en el caso de Attica terminó por convertirse en una de las mayores vergüenzas de la política interior estadounidense: una lamentable operación de las fuerzas de seguridad desembocó en una masacre de presos y rehenes que causó una herida muy profunda en la tantas veces maltratada comunidad negra. Shepp escribió este furioso álbum en memoria de los presos de Attica y del propio G. Jackson.


Desde su jubilación, como docente y como frontman, continúa como instrumentista acompañante de sus colegas, y con nuevos talentos a quién produce desde su sello Archieball Records. Todo un personaje atípico en el sacrosanto universo del jazz, que supo trascenderlo mientras se mantenía como una de sus figuras más respetadas.

Charles Mingus / The Black Saint

 Contrabajista, pianista, compositor y director de orquesta norteamericano (Nogales, Arizona, 22-4-1922 / Cuernavaca, México 5-1-1979) crece en el ghetto de Wats, en Los Angeles, uno de los más afectados por los violentos tumultos del verano de 1965.

Criado en el aprendizaje de la música clásica, frecuenta con su padre la iglesia metodista y con su madrastra la iglesia de Holiness, inclinándose por esta segunda de "atmósfera más salvaje, menos inhibida".

Mingus que descubre a Ellington a los 9 años a través de la radio, aprende violonchelo y trombón. Abandona la orquesta clásica del colegio a raíz de un incidente provocado por los prejuicios racistas de su director.

Siguiendo el consejo de su vecino Buddy Collette, se pasa al contrabajo: "Toma un contrabajo, Mingus. Eres negro. Por mucho talento que poseas, nunca harás nada bueno en la música clásica. Si quieres tocar, tienes que tocar un instrumento negro. Jamás llegarás a golpear un violonchelo. Aprende pues, a golpear un contrabajo."


Estudia con Red Callender, obtiene de Collette su primer contrato, toca con Lee Young (1940), Louis Armstrong (1941-1943), Kid Ory y Lionel Hampton (1946-1948), y finalmente toca el contrabajo en tríos más intimistas. Toca con Art Tatum, Stan Getz, Charlie Parker y Bud Powell. Celebra con estos dos últimos y con Dizzy Gillespie y Max Roach un concierto legendario en Toronto, que graba para el sello Debut que acaba de fundar (1953). Por fin se cumple su sueño e ingresa en la orquesta de Ellington, quien más tarde le expulsa por protagonizar una pelea en el escenario con Juan Tizol (debido a una reflexión racista de este). Compone sus primeras obras experimentales que dan paso a los Jazz Workshop,  formación de corte interracial y cooperativo, cuya filosofía buscaba un compromiso creativo y original entre el bebop, el cool y la conocida como tercera corriente.


A partir de ahí comenzó su periplo musical como líder y grabó en 1956 para el sello Atlantic Records su primera obra importante: Pithecanthropus Erectus, muy innovadora y enraizada al mismo tiempo en los compositores clásicos del siglo XX y en el blues y la música religiosa afroamericana.

Entre finales de los 1950 y principios de los 1960, grabó el cuerpo de su obra discográfica más importante, en el que se encuentran varias obras maestras repartidas entre distintas casas discográficas: The Clown (Atlantic, 1957); New Tijuana Moods (RCA, 1957); Mingus Ah Um (Columbia, 1959); Blues & Roots (Rhino, 1959); Mingus at Antibes (Atlantic, 1960); Charles Mingus Presents Charlie Mingus (Candid, 1960) o el considerado por muchos críticos su obra maestra, The Black Saint and the Sinner Lady (Impulse!, 1963), y entre esos discos, pequeñas composiciones que se han convertido con el transcurrir del tiempo en grandes estándares del jazz como "Goodbye Pork Pie Hat", un homenaje a Lester Young, o "Better Get Hit In Yo' Soul".

En 1964 inició una gira por Europa con un sexteto que incluía a Eric Dolphy. En los setenta graba en trío con Duke Ellington y Max Roach el soberbio Money Jungle.

Escribió, en 1972, siete años antes de morir, su autobiografía, Beneath The Underdog (en castellano, Menos que un perro), obra que ayuda a comprender al músico y describe y critica el ambiente racista en el cual vivió.

Una enfermedad degenerativa muscular acabó con su vida en 1979; sus cenizas se esparcieron en el río Ganges. Durante ese mismo año, Joni Mitchell editó Mingus, un álbum homenaje en el que intervinieron músicos famosos como Wayne Shorter, Jaco Pastorius y Herbie Hancock.



"SOMOS NOSOTROS QUIENES CREAMOS NUESTRA PROPIA ESCLAVITUD, PERO YO SEGUIRÉ ROMPIENDO BARRERAS Y DESCUBRIENDO QUE CLASE DE HOMBRE SOY,  A TRAVÉS DE MI MÚSICA.
ES ESA LA ÚNICA FORMA QUE TENGO DE SER LIBRE."


Extracto del libro: JAZZ   AUTOR: NAT HENTOFF   EDITORIAL: POMAIRE   AÑO: 1982      288 PAGINAS

We Insist! / Max Roach´s- Freedom Now Suite

 We insist! Freedom Now Suite. ¿Sobre qué insiste el título de este trabajo? Sobre lo mismo que pedía el saxofonista Sonny Rollins dos años antes cuando firmó The Freedom Suite, con el propio Max Roach en la batería más Oscar Pettiford en contrabajo. Se insiste en la necesidad de libertad. 

La fotografía de la portada del disco hace referencia a sucesos de ese mismo año. En ella vemos a tres personas negras apoyadas sobre la barra de un bar y mirando con seriedad a la cámara. Al otro lado de la barra una persona blanca, el camarero que debe atenderles. Meses antes, en febrero, cuatro estudiantes negros en la misma situación que muestra la fotografía fueron conminados a abandonar un local, a lo que se negaron. Fue en Greensboro (Carolina del Norte) en un comedor de la cadena Woolworth. Ese acto de racismo fue respondido con meses de protestas hasta lograr el 25 de julio acabar con la segregación por motivos de raza en ese local. Son años de gran trascendencia histórica en los que en Estados Unidos el Movimiento por los derechos civiles  estaba en plena efervescencia y en el que con pequeños gestos como éste, o el famoso de Rosa Parks en un autobús negándose a ceder su asiento a una persona de piel blanca apenas cinco años antes, se combatía la discriminación racial.

En ese contexto se desarrolla la grabación el 31 de agosto y el 6 de septiembre de 1960 de We insist! Freedom Now suite, un trabajo que no escapó a la tensión propia del momento. Desde su propia gestación ya que, en origen, se trataba de una colaboración entre Max Roach y el letrista Oscar Brown que acabó por quebrarse. Roach y Brown representaban dos visiones de la lucha por los derechos civiles con matices diferenciales. Oscar Brown dijo: Max pensaba que Malcolm X tenía una solución mejor que Martin Luther King. Es decir, la visión de Max Roach era algo más radical que la de Brown, más afín a la no violencia promulgada por quien años después, en 1963, declaró haber tenido un sueño. Así, y siempre según Oscar Brown, la idea original era haber creado una gran obra que recorriera la historia de la percusión africana titulada The Beat de la que en la suite finalmente grabada por Roach se recogen tres movimientos, aunque en un orden diferente al pensado por Brown. The Beat debía abrirse con All Africa seguido de Driva´man y cerrado por Freedom Day. Es decir, había una intencionalidad evolutiva inversa a la propuesta por Max Roach. Oscar Brown proponía un viaje desde el África originaria de la percusión, pasando por la esclavitud africana en Estados Unidos, y culminando con la celebración de la libertad que llegó con la proclamación de emancipación realizada en 1863 por Abraham Lincoln en los Estados Confederados de América – para cuyo centenario se estaba creando esta obra - . Sin embargo Roach invirtió el orden: primero fue la esclavitud (Driva´man), después la libertad (Freedom day) y por último África (All Africa). Una diferencia de perspectiva que se acentuó, además, con dos movimientos que Brown no contemplaba para la suite original: el tríptico Prayer / Protest / Peace y el número final: Tears for Johannesburg (dedicado a las víctimas de un tiroteo policial en Sharpeville – Sudáfrica – que terminó con 69 muertos el 21 de marzo de 1960).

El tríptico conforma el movimiento más dramático y tenso. Se trata de un dúo entre la batería de Max Roach y la voz de Abbey Lincoln que, al llegar al momento de Protesta, estalla en un grito desgarrador y primitivo. Las notas del libreto del disco, firmadas por el crítico Nat Hentoff, explican: ‘Protesta’ es la liberación final e incontrolable de la rabia y la ira que han sido contenidas por el miedo durante tanto tiempo que la catarsis sólo es posible arrancando dolorosamente toda la furia acumulada y la hiriente y cegadora amargura. A través de todas las formas de protesta, incluida, sin duda, la violencia. El tono espiritual, sureño, gospel y bluesy del segmento de Plegaria da paso, mediante un redoble de la batería de Max Roach, a la tensión de los gritos de Abbey Lincoln acompañados por la agitada batería de Roach hasta que, cuando la violencia de la voz parece hacerse insoportable, un golpe de plato nos  devuelve el remanso de Paz, también a la voz de Lincoln (siempre onomatopéyica) y a la batería de Roach que termina por establecer un ritmo continuo que permanece invariable hasta el final del tríptico.

Los temas a los que Oscar Brown se refiere como originales de The Beat y los dos que Roach suma para conformar la Freedom Now Suite configuran una obra que resulta irónica, crítica, descriptiva y esperanzadora en las letras de Brown y más primitiva y combativa en los postulados musicales de Roach. Como si Malcolm X y Martin Luther King se dieran la mano sin modificar sus principios. El viaje musical propuesto por Max Roach se inicia con Driva´man, en las plantaciones de algodón, a ritmo de canción de trabajo con letra de Oscar Brown (ironiza sobre la relación entre esclavos y negreros; poesía de la crueldad) y con un solo del saxo tenor de Coleman Hawkins en la que es única de sus participaciones en el disco. De inmediato llega la celebración del Freedom Day, donde la letra de Brown celebra pero a su vez muestra escepticismo ante la libertad tan añorada presuntamente lograda (Can it really be? Can´t conceive it, can´t believe it, but that´s what they say) y en el que la música se lanza a un frenesí swingueante en el que brilla especialmente la trompeta de Booker Little y en el que la voz de Lincoln enuncia el texto sobre el nervioso pulso rítmico que parece articulado al doble de velocidad. Confluyen en este Freedom Day la mejor tradición rítmica del Be Bop, el sentido melódico del Hard Bop y la textura más arriesgada del Free entonces en ciernes (la ausencia de piano da una sensación de mayor libertad armónica que la que realmente hay). Después del ya mencionado Tríptico llega All Africa, el guiño de Oscar Brown a la rica y magnífica historia del ritmo africano y el enunciado por parte de Abbey Lincoln (sobre un ritmo ternario reiterado) de los nombres de decenas de etnias africanas (zulúes, masais o mandinga, entre otras) al que responde el percusionista nigeriano Babatunde Olatunji en lengua yoruba con proverbios sobre la libertad de cada uno de esos grupos étnicos. Finalizada la lista se inicia una sección puramente percusiva a cargo de todos los percusionistas que participan en el disco (además de Olatunji y Roach escuchamos al desconocido Tomas Du Vall – al menos para mí - y al neoyorquino Raymond Mantilla – que formaría parte años después del proyecto de percusiones M´Boom de Roach - ) que desemboca con naturalidad en el tema de cierre, Tears for Johannesburg (con el que Max Roach evita circunscribir la lucha por los derechos civiles negros simplemente a Estados Unidos), una composición modal de solos abiertos (de nuevo destaca Booker Little) sobre un ostinato rítmico en 5/4*. Son los dos últimos movimientos, los más percusivos y modales, los que despiertan más nuestro imaginario africano.

Carlos Pérez Cruz

*en el artículo Revisited! The Freedom Now Suite de la musicóloga Ingrid Monson publicado en la revista "Jazz Times" se especula con la posible intencionalidad crítica del uso de este compás por parte de Max Roach tras el éxito del Take Five de Dave Brubeck grabado pocos meses antes y dentro de una competición de "superioridad" racial.

Nota del autor: Las declaraciones de Oscar Brown reflejadas en la reseña así como otros datos históricos toman como fuente principal el citado artículo de Ingrid Monson para "Jazz Times".

Abbey Lincoln y Max Roach se casaron en 1962; el matrimonio duró hasta 1970. Trabajaron juntos un tiempo, pero a Lincoln se le cerraron muchas puertas dentro del mundo del jazz por su inclinación política y su fuerte compromiso con la lucha racial. Fue entonces cuando decidió dedicar más tiempo al activismo y desarrolló nuevas facetas de expresión al servicio de su causa. Empezó a dar clases de arte dramático en la California State University de Northridge y en 1975 tomó eventualmente el nombre de «Aminata Moseka».

Escribió poesía y teatro, y dirigió algunas producciones dramáticas. Al tiempo, siguió grabando música tanto en su país como en Europa.

Wes Montgomery / The Incredible Jazz Guitar.

Wes Montgomery fue uno de los grandes guitarristas de jazz. Poseedor de un gran sentido del blues y del swing,heredero de la riqueza técnica y melódica de Charlie Christian elaboró una técnica original que consistía en usar la yema de su dedo pulgar en lugar de una púa, consiguiendo un toque fino en cada nota y un sonido redondo y lleno, la técnica limpia y el fraseo bien articulado, inclusive al tocar melodías extensas en intervalos de octava. 

Para Wes la vida no fue nada fácil. Tenía que trabajar durante el día y por la noche tocar en clubes para ganarse el pan. Aprendió de manera autodidacta a tocar la guitarra en 1943.

En mayo de 1948, Lionel Hampton lo incorpora a su banda con quien permaneció durante dos años lo que le valió la posibilidad de tocar con Charles Mingus, Fats Navarro e incluso acompañó a la guitarra a la gran Billie Holiday y pudo grabar sus primeros discos con Hampton y con su vocalista, Sonny Parker.

Padre de familia numerosa, sus obligaciones domesticas le condicionaban a trabajar muchas horas al día para mantener a su familia. Sus hermanos, Buddy Montgomery (vibrafonista y pianista) y Monk(contrabajista eléctrico) le prprpusieron formar un grupo para tocar en la Costa Oeste y en 1957 formaron el cuarteto "The Mastersounds" consiguiendo algunos contratos de grabación con el sello "Pacific Jazz". WesMontgomery, participó en cinco álbumes, el primero de ellos titulado: "The Montgomery Brothers plus FiveOthers" que fue también la primera grabación del trompetista, Freddie Hubbard.

A pesar de su calidad, el éxito tardó en llegar. Tuvo que intervenir casualmente el saxo alto, CannonballAdderley, que venía de un concierto en Indianápolis y había escuchado a Wes, tocar en el "Missile Room", un club local, para recomendárselo al director musical de sui compañía de discos. Así empezó una fructífera relación de Wes Montgomery con el sello Riverside que duro cinco años. Dos semana después de firmar, WesMontgomery grababa en New York su primer disco para Riverside con el organista, Melvin Rhyne y el baterista, Paul Parker, el mismo acompañamiento que tenía en el "Missile Room". 

En 1960 realiza la grabación del que muchos consideran el mejor disco de su carrera titulado "The Incredible Jazz Guitar". La aparición de aquella grabación entusiasmo a críticos, especialistas y aficionados y las revistas, Down Beat y Metronome le otorgaron los premios anuales al mejor guitarrista de jazz. Con el éxito alcanzado, volvió a tocar con sus hermanos grabando otros tres discos como "The Montgomery Brothers" y otro mas con el pianista ciego, George Shearing. Durante 1961 y 1962 participó en el Festival de Jazz de Monterrey y también tocó con el cuarteto de John Coltrane.

Cuando el sello Riverside se colapsó tras la muerte de su presidente, Bill Grauer, Wes ficha por la compañía Verve quien en aquella época era dirigida por Creed Taylor, propietario poco tiempo después del sello CTI. Con Verve consiguió un premio Grammy al álbum "Goin' Out Of My Head" en 1965, un registro demasiado edulcorado, pero antes había dejado grabado en directo en el club neoyorkino "Half Note" un álbum extraordinario titulado: "Smokin' at The Half Note". 

Ya apenas tuvo tiempo para registrar su ultimo disco titulado "Road Song" grabado a primeros de mayo de 1968 y que fue publicado tras la muerte del guitarrista, fallecido repentinamente de un ataque al corazón apenas veinte días después, el 15 de junio de 1968 con tan solo 45 años.

The Universal Mind of Bill Evans

Bill Evans es uno de los pianistas más respetados en la historia del jazz. Su influencia es innegable y se reconoce en  muchos de los pianistas más destacados del momento, desde Chick Corea y Herbie Hancock a Bill Charlap y Brad Mehldau. Evans participó en la formación mítica que alumbró el impresionante album de Miles Davis Kind of Blue, pero fue mas importante, si cabe, el liderazgo de sus muchos tríos en los que demostró su enorme talento y lo consagró como una leyenda del Jazz. Sus álbumes Sunday at the Village Vanguard y Waltz for Debby , ambos grabados el mismo domingo en sendos conciertos en el fabuloso Village Vanguard en 1961 son considerados por muchos como los mejores discos en vivo jamás grabados por un trío. Entonces, ¿qué es lo que hizo a Evans un músico único y dotado de una capacidad extraordinaria? Algunas de las respuestas se pueden encontrar en el documental La Mente Universal de Bill Evans.

Filmado en 1966, el documental cuenta con la narración del ex presentador de Tonight Show Steve Allen que se encarga de introducir la figura de Bill Evans a un público no iniciado. 

El corazón del documental, sin embargo se muestra en una conversación que Evans tiene con su hermano Harry Evans, también pianista y profesor de música, en la que intercambian ideas y enfoques para la formulación de los procesos creativos, así como conceptos y metodología que el propio Bill Evans se encarga de poner en práctica como muestra de su percepción musical. 

La película comienza con una voz en off de Evans en el que señala uno de los principios filosóficos en los que se sustenta su credo, que tiene correlación directa con la teoría del inconsciente colectivo de Carl Jung:

"Creo que todas las personas estén en posesión de lo que podría llamarse una mente musical universal. Cualquier música verdadera habla con esta mente universal a la mente universal de todas las personas. La comprensión resultante variará sólo en la medida en que las personas hayan o no hayan sido condicionadas a los diversos estilos de música en la que la mente universal habla. "

Evans nos explica su filosofía y recalca que la improvisación musical no es tan nueva en absoluto, que viene de la época clásica, pero que dado que la única forma de grabar música en ese entonces era mediante la escritura de partituras, perdió como resultado su carácter improvisado. Bill Evans define el jazz de manera elocuente:

"El jazz no es tanto un estilo como un proceso de hacer música. Es el proceso de hacer música  minuto a minuto. "

Este documental es de visita obligada para los entusiastas del jazz, pero invito a cualquiera que ame un proceso creativo a disfrutarlo.

Fuente:  KJ Baker 

Thelonious Monk / "Straight, No chaser"

Thelonious Sphere Monk (Rocky Mount, Carolina del Norte, 10 de octubre de 1917 -- Weehawken, Nueva Jersey, 17 de febrero de 1982), conocido como Thelonious Monk, fue un pianista y compositor estadounidense de jazz. Su estilo interpretativo y compositivo, formado plenamente en 1947, apenas varió en los 25 años siguientes. Pianista fundador del bebop, tocó también bajo el influjo del hard bop y del jazz modal. Es conocido por su estilo único de improvisación, así como por haber compuesto varios temas clásicos del repertorio jazzístico, destacando "Round About Midnight", "Straight No Chaser", "52nd Street Theme" y "Blue Monk". Personaje genial y enigmático, Thelonious Monk está considerado como uno de los músicos más influyentes de la historia del jazz después de la II Guerra Mundial, y, junto a Charlie Parker y Dizzy Gillespie, como el tercer pionero del bebop. Su interés por descubrir nuevas armonías, ritmos y estructuras lo convirtió en un creador fundamental del jazz moderno. Hombre enigmático, difícil de tratar y de entender -a menudo pronunciaba sólo palabras ininteligibles-, creó un estilo que impresionó a la mayoría de los músicos de su época. Sin embargo, lo que destilaba su estilo eran ideas habitualmente difíciles de digerir y más difíciles de copiar. 

En 1988, Clint Eastwood se encargó de la producción ejecutiva de una película sobre Thelonious Monk: 'Straight, No Chaser' (Solo, sin hielo) de Charlotte Zwerin. Zwerin rueda entrevistas a familiares, amigos y compañeros músicos de Monk. Asímismo, recupera fotografías de archivo, fragmentos de audio e incorpora interesantes interpretaciones de algunos temas de Monk en solitario y con su banda. Pero lo que consigue atrapar de 'Straight, No Chaser' es el extenso metraje en blanco y negro que sigue al músico en su vida cotidiana y que destaca por encima de todo. Escenas con un grano espeso persiguiendo a Monk por el mundo, desde aeropuertos, estudios de grabación y hoteles. Una manera única de acercarse a uno de los padres del bebop, pieza fundamental de la historia del jazz con mayúsculas.

El Genio de la improvisación / Sonny Rollins - "Óleo"

Sonny Rollins

(1930- ), músico de jazz estadounidense considerado como uno de los saxofonistas más influyentes de la historia del jazz, célebre por obtener sonidos de gran rotundidad y por su capacidad para improvisar solos llenos de fuerza y creatividad.

Su verdadero nombre es Theodore Walter Rollins y nació en la ciudad de Nueva York. Comenzó estudiando piano, luego saxofón alto y en 1946 optó, ya de forma definitiva, por el saxo tenor. En sus inicios tuvo gran influencia el estilo agresivo y la gran riqueza sonora del saxofonista tenor estadounidense Coleman Hawkins. En 1949 grabó su primer disco con el cantante estadounidense Babs Gonzales y, a finales de ese mismo año, lo hizo con el trombón J. J. Johnson, el pianista Bud Powell y el trompetista Fats Navarro. Entre 1951 y 1954 grabó junto a grandes figuras del jazz, como Miles Davis, Charlie Parker y Thelonius Monk. En el álbum editado en 1954 con Miles Davis, Bag’s Groove, aparecieron por primera vez tres de sus composiciones más famosas: "Oleo", "Doxy" y "Airegin".

En 1955 pasó a formar parte del quinteto liderado por Clifford Brown y Max Roach, con los que grabó el álbum At Basin Street en 1956. Entre 1956 y 1959 Rollins publicó una serie de discos que le encumbraron como el saxofonista tenor más importante del jazz. El solo del tema "Blue 7" (Saxophone Colossus, 1956) es uno de los ejemplos más sobresalientes de improvisación. "St. Thomas", del mismo álbum, marca el comienzo de su investigación sobre el calipso. Entre los discos más importantes de ese periodo se encuentran A Night at the Village Vanguard, grabado en directo en 1957, y The Freedom Suite (1958). 

 

 

 

 

A pesar del éxito de la crítica, Rollins no estaba satisfecho con sus interpretaciones y, entre 1959 y 1961, dejó de actuar en público. En 1962, formó un cuarteto que incluía al trompetista estadounidense Don Cherry y el batería Billy Higgins. Tanto Cherry como Higgins eran pioneros del estilo conocido como free jazz, en el que los músicos improvisan sin seguir las tradicionales pautas musicales de tempo, armonía o forma. En 1968 volvió a retirarse de los escenarios y se dedicó a viajar por India y Japón. A su regreso en 1972, lideró diferentes grupos compuestos por músicos más jóvenes, con los que fusionaba elementos de la música popular y el funk. En 1996, su álbum +3 marcó el retorno a un repertorio jazzístico más clásico.